tag:blogger.com,1999:blog-35335271123321426442024-03-21T14:59:01.408+01:00Paisaje en la nieblaEl blog de cine de Paco GisbertAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.comBlogger19125tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-6300791421688401782013-05-24T11:28:00.000+02:002013-05-24T11:28:45.382+02:00Un festín cultural<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">En 2010, Michael Winterbottom reunió
de nuevo a los actores Steve Coogan y Rob Brydon, con los que ya había
trabajado cinco años antes en <b>Tristram Shandy: A Cock and Bull Story</b>,
para realizar una mini serie de seis episodios para el segundo canal de la BBC
sobre un supuesto viaje gastronómico por el norte de Inglaterra de ambos
cómicos. La serie, una suerte de <i>mockumentary</i> en la que los dos
protagonistas se autoparodiaban, se tituló <i>The Trip</i> y, de ella, surgió,
a modo de compilación, una película de algo menos de dos horas de duración que
resumía las tres horas del montaje televisivo. Este es el origen de <b>The Trip</b>,
filme que nos llega con tres años de retraso a España y que demuestra, una vez
más, la versatilidad de Winterbottom, un director capaz de afrontar cualquier
género cinematográfico, desde el musical hasta el western pasando por la
comedia, el drama social o el thriller político, con la misma mirada y similar
eficacia. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpRJyf2aN3-nJf-rbHQrsjNxCXm7Ce8_7BqoxM8gHdJnsMwr6rkkQmhjMBakqIIh2iZrDZZUkT0pCCMCeQrFgA53PJpfA3DIOpxGUKN2IR5G0L7J_Ejg5Sdh57ArdJs0b4WrM16omMlIM/s1600/thetrip.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpRJyf2aN3-nJf-rbHQrsjNxCXm7Ce8_7BqoxM8gHdJnsMwr6rkkQmhjMBakqIIh2iZrDZZUkT0pCCMCeQrFgA53PJpfA3DIOpxGUKN2IR5G0L7J_Ejg5Sdh57ArdJs0b4WrM16omMlIM/s400/thetrip.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>The
Trip</b> reconstruye el viaje gastronómico de Coogan y Brydon, de seis días de
duración, a partir de la personalidad de sus dos protagonistas, dos tipos muy
conocidos en el Reino Unido que despliegan todas sus virtudes interpretativas
para construir dos personajes fascinantes, dos tipos enzarzados en continuas
peleas dialécticas, salpicadas de citas a Coleridge o Woodsworth pero también
de canciones de ABBA o diálogos de filmes de James Bond, y en un interminable
concurso de imitaciones de famosos, desde Anthony Hopkins a Roger Moore.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lleno
de chistes referenciales a la cultura popular anglosajona, <b>The Trip</b>
adopta un esquema tan arriesgado como interesante en el cine contemporáneo.
Sobre la base de los diálogos entre dos personajes famosos, se construye un
filme que recuerda, en su estructura, a la magnífica y sorprendente <b>Mi cena
con André</b>, en la que Louis Malle reunía en una mesa al actor Wallace Shaw y
al director teatral André Gregory para hablar de la vida y el arte. Pero
Winterbottom va más allá de las simples conversaciones entre dos personajes que
desgranan su filosofía de vida, al someter a sus actores a una sesión de
desmitificación que alcanza a sus vidas personales o a sus relaciones con la
profesión que ejercen.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>The
Trip</b> contiene momentos memorables, como las absurdas batallas por repetir
el tono de voz de Michael Caine en <b>Un trabajo en Italia</b> y por alcanzar
tres octavas en la escala musical o los sueños de Coogan en Hollywood -con el
impagable cameo de Ben Stiller también haciendo de sí mismo-, se expande en un
desternillante juego intelectual entre los dos protagonistas y hasta tiene
arrestos para poner en entredicho la <i>nouvelle cuisine</i> británica, en un
delicioso menú, en el que las vieras son un elemento reiterativo hasta la
saciedad, que tiene más de lección de cine que de comida.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
único pero que se le puede poner a Winterbottom es el carácter local de la
película, que impide conocer en su totalidad la batería de chistes que contiene
para un público no anglosajón. Pese a ello, estamos ante una cinta original y
brillante, un sano ejercicio de humor culto que es imprescindible ver en
versión original para disfrutar en su totalidad.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/K9bPJmy68Rs?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1740047/" target="_blank">The Trip</a> (Michael Winterbottom, 2010) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-79068701653763782582013-05-17T12:26:00.000+02:002013-05-17T12:26:43.679+02:00La educación de los pájaros<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Si en las cosas pequeñas reside
muchas veces la belleza, <b>Kauwboy</b>, opera prima del director holandés
Boudewijn Koole, es un buen ejemplo. Película sencilla, exenta del prescindible
artificio que envuelven obras de mucho mayor presupuesto e infinitas
pretensiones, Kauwboy retrata la vida de un niño de 10 años que crece en
absoluta soledad, rodeado del idílico paisaje de la campiña holandesa y con el
waterpolo y una vecina como únicas vías de escape. En ese panorama solitario
aparece un visitante inesperado en forma de grajo, un pájaro que se convertirá
en paradigma de la educación que el niño precisaba para sí mismo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2mbk7A9OorCafhX0PnijlAUwkE4SAMiUuQDJqHv7-peWU7ulrynrgpTfL4RdjfG8AwYvA-ZxVenySzRoqfKbDo9yhkn1vzifp6xGDCwvt-rSfE_ZAY_R-u-MPeeoVMkcAo_d9mHkmK5E/s1600/Kauwboy.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2mbk7A9OorCafhX0PnijlAUwkE4SAMiUuQDJqHv7-peWU7ulrynrgpTfL4RdjfG8AwYvA-ZxVenySzRoqfKbDo9yhkn1vzifp6xGDCwvt-rSfE_ZAY_R-u-MPeeoVMkcAo_d9mHkmK5E/s400/Kauwboy.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Con
un ritmo pausado, plagado de silencios, miradas y gestos casi imperceptibles, la
deliciosa historia que nos cuenta Koole, coautor del guión, se articula por
medio de dos planos contrastados entre sí: el de los cuidados del niño al grajo
y el de la falta de la atención que precisa el propio preadolescente. Koole
elige bien cómo contarnos esa dicotomía, tanto por la selección de los
emplazamientos de cámara, siempre a la altura de los ojos del niño, como por el
punto de vista que adopta, el del protagonista del filme.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Pero
más allá de estos méritos, <b>Kauwboy</b> sorprende porque, pese a la crudeza
del tema que plantea, rebosa ternura. La frialdad de una puesta en escena
simple la pone Koole al servicio de la historia, como si quisiera transformar
el dolor, también presente en la cinta, en un sentimiento de ingenuidad y
resignación, como si transportara al espectador a un mundo en el que las cosas
son como son y es imposible cambiarlas. Las referencias a la reciente <b>El
niño de la bicicleta</b>, de los hermanos Dardenne, son claras, aunque en este
caso el director neerlandés aporte una mirada mucho más tierna a su personaje
de la que nos ofrecían los realizadores belgas. Más bien hace que el espectador
se imbuya de la atmósfera limpia que exhala la película sin permitirle darse
cuenta de que lo que realmente está contando es una historia de aprendizaje
incompleto, de ausencia de referentes paternos.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un
desenlace algo forzado no empaña el resultado final de esta pequeña joya,
narrada con sorprendente sencillez, que emociona por momentos y que deja en la
boca un regusto de cine arriesgado y valiente. Muy necesario en el panorama
cinematográfico en el que nos encontramos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/x2arjDF3hmo?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1776222/" target="_blank">Kauwboy</a> (Boudewijn Koole, 2012) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-5637613196457672022013-05-12T21:38:00.000+02:002013-05-12T21:38:16.484+02:00Juego de trileros<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">La
profusión de falsos documentales en los últimos años ha colocado al género en
una curiosa encrucijada: el espectador, alertado por la capacidad de los
cineastas para engañarlo, cada vez mira más los detalles y la letra pequeña de
los documentales, pequeñas pistas para averiguar la veracidad de lo contado. En
el fondo, no es sino la resurrección del viejo debate sobre el realismo del
documental, un género mucho más proclive a la manipulación, precisamente porque
juega con elementos reales, que cualquier otro.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiKqFhtteD18BaTZja7haQTI8t2a4QB_9gaqAfA8z0D5ZU86qEXglZ2TuJd4ZgeOvQghi1KHfaUF2hMyvSXH0agZLAhs3WU-Ex8-xm2haGOpyHmlSMo1F4tTprUTxYdsY7QHTOf4w7RIE/s1600/the-imposter-3.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiKqFhtteD18BaTZja7haQTI8t2a4QB_9gaqAfA8z0D5ZU86qEXglZ2TuJd4ZgeOvQghi1KHfaUF2hMyvSXH0agZLAhs3WU-Ex8-xm2haGOpyHmlSMo1F4tTprUTxYdsY7QHTOf4w7RIE/s400/the-imposter-3.jpeg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>El impostor</b>, debut en la gran
pantalla de Bart Layton, un cineasta especializado en documentales para
televisión, juega con esa invisible frontera entre lo real y lo inventado para
contarnos la historia de la suplantación de un niño de 16 años por un avispado
estafador de 23 y las consecuencias que dicho acto, aceptado de forma increíble
por todos, tiene sobre los protagonistas de la historia. Analizada fríamente,
la historia que nos explica el filme está más cerca de la inverosimilitud que
de los hechos reales. Quedan muchas dudas que hagan consecuente un relato lleno
de increíbles giros y de extraordinarios golpes de efecto.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Pero poco importa si lo que se cuenta
es real o no, si la historia que atrapa al espectador durante algo más de su
hora y media de metraje deja cabos sueltos, porque lo verdaderamente
interesante de <b>El impostor</b> es su ritmo narrativo. Partiendo de los
esquemas del cine documental, Layton construye un "thriller"
apasionante, en el que mezcla la recreación cinematográfica de los hechos,
exagerada o no -nunca lo llegamos a averiguar-, con los testimonios reales de
sus protagonistas. Que esa recreación fílmica sea más o menos fiel a lo que
realmente ocurrió es algo superfluo, porque la película transcurre por otros
derroteros: los que proporciona un juego de engaños de los que la propia
estructura de la cinta es partícipe. En ese juego de engaños, Layton hace que
el espectador conozca el engaño antes de la media hora de película y da la voz
al ejecutor de la trampa, como si quisiera poner las cartas sobre la mesa para
después, a la manera de un trilero, escondérnoslas.</span></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Como ya ocurría con <b>Searching for
Sugar Man</b>, con la que comparte productor, <b>El impostor</b> nos sumerge en
un carrusel de sorpresas que van deshilachando la trama, en una vorágine de
acontecimientos inesperados que no hacen sino subrayar una estructura narrativa
milimétricamente calculada para desconcertar al espectador. Como en aquella, la
cinta de Layton deja muchas preguntas por contestar, pero reafirma los nuevos
caminos de un género en constante renovación y que encuentra, día a día,
historias más fascinantes para trasladar al público.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/67cMet52mL4?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1966604/" target="_blank">El impostor</a> (Bart Layton, 2012)</span><br />
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"> </span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-49282793110875978122013-05-02T20:45:00.000+02:002013-05-02T20:45:11.650+02:00La confusión de los géneros<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">En las
obras teatrales del Siglo de Oro español existía un recurso dramático que
consistía en el cambio de indumentaria de las mujeres para hacerse pasar por
hombres, una concesión de la dramaturgia que era aceptada por el público sin
problemas de identidad sexual. El hábito hacía al monje y el disfraz al
personaje.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMLKZWLRvtBr6n7zxxPGAfeEODhZfGM7NPXpBdXyXVh7rP1Fd9TOLPjF5RRvp3Um9puq2Kyu0vMUMhQyUqTMcw-GXMpx58XbuiFKO5bOZTCqWv5BWe-4z2nGXcu0l1v447BFeign0hnsw/s1600/Tomboy-41.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="227" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMLKZWLRvtBr6n7zxxPGAfeEODhZfGM7NPXpBdXyXVh7rP1Fd9TOLPjF5RRvp3Um9puq2Kyu0vMUMhQyUqTMcw-GXMpx58XbuiFKO5bOZTCqWv5BWe-4z2nGXcu0l1v447BFeign0hnsw/s400/Tomboy-41.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> E</span>n <b>Tomboy</b>, segundo largometraje
de la joven directora francesa Céline Sciamma, no es el ropaje el que provoca
la confusión de los géneros que ejerce como motor de la trama, sino el corte de
pelo y esa indefinición andrógina que tienen los preadolescentes. Una niña
comienza a hacerse pasar por niño como un juego, y tan inocente propuesta acaba
yéndosele de las manos sin que nos demos cuenta. Como en las obras de Calderón
o Lope, Sciamma nunca engaña al espectador, sino que le invita a jugar con el
personaje: desde el principio, cuando vemos a la protagonista desnuda en la
bañera, sabemos que, por mucho que se corte el pelo como un chico, es una niña.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El punto de partida que propone la
realizadora francesa se desarrolla durante algo más de hora y cuarto de
película con la mentira como bandera. Una mentira involuntaria, como subraya el
filme, que pone en escena, de manera sutil, temas como los problemas de
integración social de los preadolescentes ante un cambio de entorno, los roles
que la propia sociedad asigna irremediablemente a hombres y mujeres o el
descubrimiento de la sexualidad, con toda la confusión que lleva consigo a esas
edades.</span></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>Tomboy</b> incide una y otra vez
sobre esas cuestiones en una cinta que peca de excesiva reiteración en sus
propuestas. De hecho, da la impresión de que <b>Tomboy</b> podría haber sido un
cortometraje de los que ganan premios en festivales internacionales, dada la
simplicidad de sus argumentos y su exquisito planteamiento, muy cercano al cine
intimista y descriptivo, sin apenas movimientos de cámara y un excelente empleo
del fuera de campo para sugerir lo que la imagen no muestra. Este es el gran
inconveniente de una cinta honesta, que nunca engaña al espectador, pero
demasiado esquemática en la que al que la ve sólo le queda la emoción de saber
cuándo se descubrirá el engaño, cuándo acabará ese juego inocente que, con el
tiempo y el entorno en el que se desarrolla, acabará convirtiéndose en
peligroso.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/JvfdCI4MArQ?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1847731/" target="_blank">Tomboy</a> (Céline Sciamma, 2011) </span><br /><span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"></span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-54301767847001522662013-04-26T22:57:00.000+02:002013-04-26T22:57:55.508+02:00Y la vida continúa<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Pocas veces
una canción puede resumir tan bien la esencia de un filme como <i>Anima fragile</i>,
el tema de Vasco de Rossi que forma parte de la banda sonora de <b>La nostra
vita</b> y que suena en dos secuencias de la película. La voz desgarradora de
Rossi canta "Y la vida continúa, incluso sin nosotros", solapada por
la del personaje interpretado por Elio Germano, como magnífico epítome de una
cinta que habla de la supervivencia en tiempos difíciles. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKgUrpgq20uS6C6uNtEMYB2-EIcMlVt1aq8ozsp4wvYrqAWJHrY8UwOPKdrqwdrRHv0JGsy50U-agHA8LGSMjzKYWuqqVo3r0BMvpzV2Bh5OA0xqSltInUjeBM5yL9MZNckwXdwipuA54/s1600/la-nostra-vita-22-12-2010-23-04-2010-5-g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKgUrpgq20uS6C6uNtEMYB2-EIcMlVt1aq8ozsp4wvYrqAWJHrY8UwOPKdrqwdrRHv0JGsy50U-agHA8LGSMjzKYWuqqVo3r0BMvpzV2Bh5OA0xqSltInUjeBM5yL9MZNckwXdwipuA54/s400/la-nostra-vita-22-12-2010-23-04-2010-5-g.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Estrenada en salas en España con tres
años de retraso, <b>La nostra vita</b> traza un singular retrato de la crisis
en la Italia de los chanchullos, los arreglos y el sálvese quien pueda, a
través de la aventura de un capataz de obra que, por puro espíritu de supervivencia,
ha de alinearse en el bando de los poderosos para salir adelante. Un paisaje
reconocible en esta Europa fragmentada por la devastación económica en la que
los pobres cada vez son más pobres y los ricos, más ricos. Un escenario global
que aquí se construye en los suburbios de Roma pero que podría localizarse en
cualquier promoción de la costa española.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Daniele Luchetti, interesante director
crecido bajo el manto de Nani Moretti, nos propone en <b>La nostra vita</b> un
puñado de cuestiones morales, en la mejor tradición del cine social europeo, a
partir de las experiencias personales del protagonista de la historia. Temas
como la inmigración, la amistad, la familia, la solidaridad o las relaciones
laborales se afrontan aquí bajo un prisma que obliga al espectador a activar su
conciencia y plantearse si debe tomar partido, en ocasiones, por el engaño o la
trampa como fórmula de salvación. Pero el mérito de Luchetti estriba en que no
ejerce de guía para llevarlo de la mano hacia ese dilema, sino que plantea su discurso
desde el azar más verosímil. Si la vida es azar, parece decir el realizador
italiano, se vuelve más complicado domeñarla en un entorno hostil.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un gran Elio Germano (premio en Cannes
2010 por su interpretación en esta película) lleva las riendas de una historia
dura cuando aborda las cuestiones sociales pero que se reblandece al llegar a
las relaciones familiares, como si Luchetti necesitara subrayar el refugio
familiar de su protagonista para dejar más abierta la puerta a la
interpretación de sus actos por parte del espectador. No hacía falta tanta
intensidad en esta vertiente de la película, aunque produzca algunas de las
mejores escenas de la cinta, en un relato que nos es tan cercano como la letra
cantada por Vasco Rossi con su voz carajillera. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/MH8XDkxHQK8?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1509636/" target="_blank">La nostra vita</a> (Daniele Luchetti, 2010) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-19125827952955041812013-04-26T10:21:00.000+02:002013-04-26T10:21:35.996+02:00El dolor ajeno<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">A lo largo
de más de 20 años y una decena de filmes, a Isabel Coixet le ha bastado con dos
personajes para explicar su visión del mundo, su punto de vista sobre la vida.
Dos personajes que afrontan temas como la muerte (<b>Mi vida sin mí</b>), el
amor (<b>Cosas que nunca te dije</b>), la enfermedad (<b>La vida secreta de las
palabras</b>), el sexo (<b>Mapa de los sonidos de Tokio</b>) o la justicia (<b>Escuchando
al juez Garzón</b>). Su cine es, podríamos decirlo así, binario, con dos
elementos principales que centran la acción y representan siempre dos modelos
condenados a entenderse.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrsaSLvMqCNpT-WRe_8UjvigSEIqh9sAQU413SD5SSHR58gNcFmUkWLqOKrtg6QXhjRf3BqJJx3Y8N0CUV1gjxYuCRP4aCL70dCsyMll0ABpOO08E1_JlUO6E0g9oij3jrFdIk80719SA/s1600/Ayer_no_termina_nunca_-2094.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrsaSLvMqCNpT-WRe_8UjvigSEIqh9sAQU413SD5SSHR58gNcFmUkWLqOKrtg6QXhjRf3BqJJx3Y8N0CUV1gjxYuCRP4aCL70dCsyMll0ABpOO08E1_JlUO6E0g9oij3jrFdIk80719SA/s400/Ayer_no_termina_nunca_-2094.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>Ayer no termina nunca</b> radicaliza
esa propuesta binaria de la realizadora catalana al ofrecernos, a lo largo de
algo más de hora y media, una radiografía del dolor ajeno, de esa realidad
intangible y personal de la que "la gente huye como de la peste",
como subraya el personaje de Candela Peña en una escena del filme. Una pareja
con una vida en común, con un proyecto vital compartido durante años en un pasado
indefinido, se reencuentra en un paisaje desolador, en una España apocalíptica
azotada, más si cabe, por la crisis que ya sentimos en nuestras carnes, en un
futuro imperfecto fechado en 2017. Y de ese encuentro surgen todos los
fantasmas, las cosas que nunca se dijeron y la desesperanza. Real como la vida
misma, la nueva película de Coixet es, en suma, una profunda reflexión a dos
voces sobre el duelo, sobre la pérdida de la felicidad y la dificultad de
rehacerse cuando la vida golpea con fuerza.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Desgraciadamente, el combate desnudo
entre los dos protagonistas que nos brinda <b>Ayer no termina nunca</b>, oficiado
por dos actores en estado de gracia, está innecesariamente salpicado de flashes
en blanco y negro sin excesiva justificación argumental, de algunos diálogos
que recuerdan la filosofía de los anuncios de compresas y de una puesta en
escena tan sobria que acaba cansando al espectador. Y no hacían falta tantos
artificios para contar una historia que se sustenta sola con la fuerza
interpretativa de sus dos protagonistas y la solidez del tema que plantea.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/L1YXB7rn5Ks?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt2393440/" target="_blank">Ayer no termina nunca</a> (Isabel Coixet, 2013) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-40282497543809717842013-04-23T01:24:00.000+02:002013-04-23T01:25:19.764+02:00Más allá del desprecio<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Poco
conocido en nuestro país, con la excepción de los círculos cinéfilos, el cine
de Philippe Garrel ha transitado desde su debut, a finales de los años sesenta
del siglo pasado, entre la experimentación y la poesía, pero sin perder la
dimensión social que caracterizó los postulados de la <i>nouvelle vague</i> ni
un modelo de narración reflexivo, muy propio de la literatura realista de
finales del siglo XIX, que hicieron suyo algunos directores franceses de la <i>nouvelle
vague</i> y sus sucesores, entre los que se encuentra el propio Garrel.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMrw3C2NoJtj7GYSgmA2hyphenhyphenvZMZY8TOTg7nMrpLAwTCUCl7sOf6comzTIemKJ9UTw3F3NjRo82SO1Pu23g6hV398ySWXwDKMcisjFUJj_N2V5efdNUWXqYVqinyv6IkYyrQpNXb-XW_WDg/s1600/un-ete-brulant-28-09-2011-6-g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="183" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMrw3C2NoJtj7GYSgmA2hyphenhyphenvZMZY8TOTg7nMrpLAwTCUCl7sOf6comzTIemKJ9UTw3F3NjRo82SO1Pu23g6hV398ySWXwDKMcisjFUJj_N2V5efdNUWXqYVqinyv6IkYyrQpNXb-XW_WDg/s400/un-ete-brulant-28-09-2011-6-g.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>Un été brûlant</b>, filme que llega
a nuestras pantallas con más de un año de retraso respecto a sus estreno
comercial en Francia, parte de un suicidio para, de forma retrospectiva,
reconstruir los últimos meses de la vida de un pintor casado con una bella
actriz. Dicha reconstrucción la vemos desde el punto de vista de su mejor
amigo, un personaje con apuntes autobiográficos del propio Garrel, quien, a
través de su mirada, nos enseña las contradicciones internas del protagonista,
un tipo complejo y, en ocasiones, anacrónico, que alude de forma reiterada a
comportamientos burgueses o al valor de la Resistencia como mito de una
sociedad idílica. Sin embargo, el relato no es consecuente con la elección del
punto de vista narrativo, ya que el protagonista crea su propia ficción para
explicar la historia de la manera que Garrel quiere que la veamos.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Heredera de <b>El desprecio</b>, la
película en la que Godard meditaba sobre la condición artística a través del
juego realidad-ficción de un rodaje cinematográfico a la vez que analizaba las
relaciones de pareja, <b>Un éte brûlant</b> tiene el mérito de convertir en
trascendentes los pequeños detalles de la vida, como se subraya en la magnífica
conversación final entre el artista y su padre (un Maurice Garrel, padre del
director, que falleció muy poco después del rodaje del filme), de mostrar, de
forma poco convencional, las dificultades para conservar el verdadero amor, de
diseccionar de forma inteligente las relaciones amorosos y, sobre todo, de ser
fiel a una forma de hacer cine condenada a caer en el ostracismo por su escasa
comercialidad.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lástima que la simplicidad de la
historia, su escasa verosimilitud y la ya comentada traición al punto de vista
elegido para la narración la hagan menos brillante que otras películas de
Garrel que, de forma esporádica, hemos podido ver por estos pagos.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://img.youtube.com/vi/Zlap_-DyzU4/0.jpg" height="266" width="320"><param name="movie" value="http://youtube.googleapis.com/v/Zlap_-DyzU4&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="http://youtube.googleapis.com/v/Zlap_-DyzU4&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1740053/" target="_blank">Un été brûlant</a> (Philippe Garrel, 2011) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-15019349693562970602013-04-19T11:28:00.002+02:002013-04-23T01:26:32.739+02:00Fracking y buenas intenciones<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Curiosa
filmografía la de Gus Van Sant, que oscila entre el cine de autor y las
superproducciones, pero que, en todo caso, siempre dirige filmes con una
preocupación humanista por lo que sucede alrededor.<b> Tierra prometida</b>
pertenece al segundo bloque de filmes, el de grandes presupuestos (aquí 15
millones de dólares), para contarnos una historia de tintes ecologistas a
partir de los intentos de dos empleados de una multinacional de gas natural para
instalar una planta extractora en un pequeño pueblo de la América profunda.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE-47eRE2dUb1l2vKZVcaF0FkSfEEtuLTwk-hExucTJi6eZlMeQTl0EWSLjypNY-j2jotObqkv0Gh72GuuGqLQfw-hTxhQYcghKf_Do78Ahv7zTaJH2Y41kmcF4oMkLPTSYBWTUqHhSwI/s1600/TIERRA-PROMETIDA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE-47eRE2dUb1l2vKZVcaF0FkSfEEtuLTwk-hExucTJi6eZlMeQTl0EWSLjypNY-j2jotObqkv0Gh72GuuGqLQfw-hTxhQYcghKf_Do78Ahv7zTaJH2Y41kmcF4oMkLPTSYBWTUqHhSwI/s400/TIERRA-PROMETIDA.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El oportunismo de un tema de actualidad
como el <i>fracking</i> (una técnica de extracción del gas y el petróleo con probados
riesgos medioambientales), algunos apuntes cercanos a la denuncia ecologista y
un sobrio trabajo de dirección podrían convertir <b>Tierra prometida</b> en una
película, a priori, interesante. Pero la forma de narrar la trama, que parece
escrita siguiendo al pie de la letra un manual de guionista primerizo, y un
giro final inverosímil y ridículo empañan el resultado final de una cinta
plagada de buenas intenciones aunque con escaso valor como instrumento para
concienciar al espectador del problema que plantea. </span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/AHQt1NAkhIo?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: SimSun; mso-fareast-language: ZH-CN;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt2091473/" target="_blank">Tierra prometida</a> (Gus van Sant, 2012) </span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-26574668557914170992013-04-19T11:18:00.001+02:002013-04-23T01:27:37.250+02:00Kerouac sin alma<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">55 años han
transcurrido desde que Jack Kerouac publicara <i>On the road</i>, una de las
grandes novelas de la literatura norteamericana, biblia de la generación beat y
posiblemente el relato que mayor influencia ha ejercido sobre los cambios
sociales de la segunda mitad del siglo XX. Pero, en más de medio siglo, nadie
se ha atrevido a llevar a la pantalla una obra única, no sólo por su narrativa
caótica y libertaria, sino por la capacidad de transmisión de sensaciones que
tiene el texto de Kerouac.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh02jT9P5fe2ndqJJFnIK0z7WJx7OLOyQGbBKrpJvPOywYBcl-Xj3M3-ce-mdj3t3juthvzZ-SsqF2kGDfq4dl8q371UDKvjvkTdhmN0kXIDXYTdJin9J2aBFw5jxj2tLpIN3RrIXvLXKg/s1600/on-the-road-new-picture-4.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="252" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh02jT9P5fe2ndqJJFnIK0z7WJx7OLOyQGbBKrpJvPOywYBcl-Xj3M3-ce-mdj3t3juthvzZ-SsqF2kGDfq4dl8q371UDKvjvkTdhmN0kXIDXYTdJin9J2aBFw5jxj2tLpIN3RrIXvLXKg/s400/on-the-road-new-picture-4.jpeg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Nadie hasta que apareció Francis Ford
Coppola y encargó la adaptación al brasileño Walter Salles después de ver<b>
Diarios de motocicleta</b>, película que guarda cierta relación, como relato de
viajes heterodoxo, con la obra del escritor americano. Salles hace bien su
trabajo: <b>On the road</b> está bien realizada, bien montada y cuenta con un
elenco interpretativo interesante (sobre todo sus personajes secundarios, por
los que desfilan actores como Viggo Mortensen, Kirsten Dunst o Steve Buscemi).
Pero le falta alma. Carece de todo aquello que emociona en el libro, de su
sentido libre, de la sensación, tan juvenil, de que el mundo está a los pies de
los protagonistas aderezado por una interminable vorágine de sexo, drogas y música
de jazz.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Aquellos que nunca leyeron el
extraordinario relato de Kerouac no saldrán decepcionados de esta explosión
controlada de juventud y ambiciones, pero a quienes, por esos maravillosos
caprichos que tiene la vida, les cayó un día la novela y la devoraron para
hacerla suya les sabrá a poco esta adaptación de Kerouac que demuestra, una vez
más, la imposible adaptación de un libro que cuenta mucho más de lo que escribe
su autor. Lo que Salles no ha sabido plasmar en la pantalla.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/DZhM-AcCzNU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt0337692/" target="_blank">On the road</a> (Walter Salles, 2012) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-40006861328434786752013-04-19T11:11:00.000+02:002013-04-23T01:28:45.813+02:00Algo huele a podrido en Dinamarca<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Aunque,
cinematográficamente hablando, creciera de la mano de Lars von Trier, con el
que fundó Dogma 95, Thomas Vinterberg ha apostado en la última década por
alejarse de los postulados del movimiento que inició para alinearse en un
estilo mucho más frío y complejo. Para adentrarse en el territorio que tan bien
explora Michael Haneke. Por fortuna para los valencianos, la obra del cineasta
danés no nos es desconocida, gracias a los esfuerzos de Cinema Jove por haber
rescatado filmes nunca estrenados en salas comerciales en territorio español.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaZORmJZVaoRptDrvNURsX1zHzInk2Pa4mdJ-72X1TgugOcaDJ8U1gLO1XMeIS_zqyimSz5EyxB8ihuwaYE08Gi7YkV1UitIvpk3doHSRXi5fu7hfKa4VtSvPQ5MGQI45pWk6IVov8F1k/s1600/la+caza.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaZORmJZVaoRptDrvNURsX1zHzInk2Pa4mdJ-72X1TgugOcaDJ8U1gLO1XMeIS_zqyimSz5EyxB8ihuwaYE08Gi7YkV1UitIvpk3doHSRXi5fu7hfKa4VtSvPQ5MGQI45pWk6IVov8F1k/s400/la+caza.jpeg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>La caza</b> es la culminación de ese
esfuerzo por desligarse de sus dogmas para contar una historia tan difícil,
como la de las acusaciones de pederastia a un hombre en apariencia normal, con
la suficiente distancia como para obligar al espectador a dar siempre el primer
paso. <b>La caza</b> no es una película cruel, pese a que muchas de sus
imágenes lo sean, porque es honesta. Porque detrás de esas imágenes no hay
concesión alguna a la interpretación. A Vinterberg no parece interesarle mucho
el tema de la pederastia, principal motor de la película, y lo utiliza como un
inteligente MacGuffin para retratar, con minuciosidad puntillista, el derrumbe
moral y físico de un hombre acusado de algo que, aparentemente, no ha hecho.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Al lado de esa caída al vacío, el
director danés construye un mundo fascinante. Una comunidad prototipo de lo
políticamente correcto que pasa los días visitando a los vecinos, un pueblo
pequeño de la Dinamarca profunda cuya principal pasión es la caza, un
microteatro de la Europa más civilizada, en donde, salvo excepciones, el
rechazo social se produce de manera lenta, como una tortura china, sin
estridencias ni apaleamientos públicos en la metafórica picota de la plaza del
pueblo. Un modelo de vida que aparece aquí exquisitamente diseccionado en
personajes como el de la directora del jardín de infancia o el padre de la niña
acusadora. Parafraseando a Shakespeare, podría decirse que <b>La caza </b>pone
en la pantalla la famosa frase de Marcelo en <i>Hamlet</i>: "Algo huele a
podrido en Dinamarca", pero Vinterberg hace extensiva esa podredumbre a
toda Europa, a la sociedad occidental en los tiempos actuales. Porque <b>La
caza</b> también es un retrato exhaustivo de la sociedad del miedo en la que
vivimos, ese orden mundial que nos acojona diariamente con anuncios
apocalípticos que nos pronostican un futuro incierto, que nos hacen vivir en el
alambre de la inseguridad, por mucho que nuestros presuntos valores estén firmemente
arraigados. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Y, en ese mundo modelo del estado del
bienestar, los niños son elementos primordiales: la garantía de que esa
supuesta felicidad continuará. Aquí es donde la mirada de Vinterberg hace más
daño, porque recurre al viejo precepto de "los niños saben" del Henry
James de <i>Otra vuelta de tuerca</i>. Los niños, en <b>La caza</b>, saben
mucho y deciden más. Su presencia es tan inquietante como la de sus coetáneos de<b>
La noche del cazador</b> o <b>La cinta blanca</b> porque callan, porque sus
delaciones no son sino la mecha que enciende una bomba de relojería que acaba
por explotar en manos de quien la manipula y su onda expansiva es capaz de
alcanzar a cualquiera.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un sobresaliente Mads Mikkelsen, premio
al mejor actor en el último festival de Cannes por esta película, se erige en
absoluto protagonista de un filme tan sencillo en apariencia como complejo en
sus múltiples interpretaciones, que no deja indiferente al espectador y que
está llamado a ser una de las grandes cintas del año.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/9Umv4CyxTdg?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt2106476/" target="_blank">La caza</a> (Thomas Vinterberg, 2012) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-3378820861614130842013-04-14T21:39:00.002+02:002013-04-23T01:29:48.979+02:00Colegas de geriátrico<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Existe una
tendencia en el cine americano contemporáneo a rescatar a sus viejas leyendas
para, desde la perspectiva de los años, caricaturizar algunos que los
personajes que interpretaron en su época gloriosa. <b>Tipos legales</b> se
enmarca dentro de esta tendencia con un esquema tan trillado como efectivo: el
cine de colegas. En este caso, colegas de geriátrico. Porque el segundo
largometraje como director del actor Fisher Stevens es un filme al servicio de
sus tres personajes principales, tipos con más pasado que futuro que, en medio
de una aventura alocada, a lo largo de una interminable noche, conducirán la
trama hasta un final de lo más previsible.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY3ZhJaBeDU593fkTloa9opjKagV0CmuMXGiyCy80qUDG6qZ4hjm6N3YtpGd2nCB3EI6k6xrDZTyBhRrmFizoHHAYsysN3bFqFCMlmtdiWBuuvWqTO6Q52LwfHUuMUrY14b0eFFFvfTzc/s1600/tipos+legales.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhY3ZhJaBeDU593fkTloa9opjKagV0CmuMXGiyCy80qUDG6qZ4hjm6N3YtpGd2nCB3EI6k6xrDZTyBhRrmFizoHHAYsysN3bFqFCMlmtdiWBuuvWqTO6Q52LwfHUuMUrY14b0eFFFvfTzc/s400/tipos+legales.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Para ello, Stevens cuenta con tres
monstruos de la interpretación. Tres actores legendarios que componen
personajes a modo de retazos de otros a los que encarnaron en su época de
juventud. Christopher Walken, Al Pacino y Adam Arkin se elevan por encima de la
propia trama de la cinta para ofrecernos un compendio paródico de los clichés
que tantas veces interpretaron en la pantalla. Hay guiños explícitos a ese
pasado glorioso, como el baile de Pacino en la discoteca, que nos remite al
remake de <b>Perfume de mujer</b>, pero, sobre todo, hay una voluntad de reírse
de sí mismo que da vida a una película irregular, un mero entretenimiento con
tres grandes actores.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>Tipos legales</b> transita entre la
comedia y el thriller, pero quizás la edad de su protagonista haya hecho que el
guión del debutante Noah Haidle se decante hacia los gags, de desigual fortuna,
que salpican esta historia de lealtad personal y sentido del deber que, poco a
poco, va perdiendo interés en su desarrollo y sólo sobrevive dignamente por el
esplendoroso recital de su trío interpretativo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/dxlaRKbZYTc?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1389096/" target="_blank">Tipos legales</a> (Fisher Stevens, 2012) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-29979548918127262232013-04-14T21:31:00.003+02:002013-04-23T01:31:24.483+02:00Malos tiempos para la lírica<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Se podrá
amar u odiar su cine, pero nadie puede discutir que hay directores que han
conseguido dotar a sus obras de una marca personal, un sello inconfundible que
hace que las podamos reconocer sólo con ver unos pocos fotogramas. Le sucede a
Almodóvar, que no es santo de la devoción de los críticos de la <b>Turia</b>,
pero que tiene un estilo tan reconocible y personal que hace que sus filmes,
por muy vacíos que nos parezcan, sean atractivos, aunque sea visual o
argumentalmente. Y le ocurre a Terrence Malick, un cineasta atípico que parece
preparar sus películas con dedicación de orfebre: en 40 años de carrera como
realizador, apenas ha hecho seis largometrajes.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe9zfjl4SSukhVC-R9mVzb4j-7OhcDyvczvFVGJgoulDIiehCIpa_LEcKI6Kss5akqccK8-ToXZ39dWFZembS2vkeX0FDZkdr33Se3KuDSclt39VFvUndXWgvNhFaJw9YyruFXHWHC_AQ/s1600/To-The-Wonder-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhe9zfjl4SSukhVC-R9mVzb4j-7OhcDyvczvFVGJgoulDIiehCIpa_LEcKI6Kss5akqccK8-ToXZ39dWFZembS2vkeX0FDZkdr33Se3KuDSclt39VFvUndXWgvNhFaJw9YyruFXHWHC_AQ/s400/To-The-Wonder-1.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un año después de <b>El árbol de la
vida</b>, la cinta que devolvió al director de Illinois al estatus de autor por
antonomasia del cine norteamericano, llega a nuestras pantallas <b>To the
wonder</b>, película que arrastra polémica desde su paso por Venecia, donde fue
abucheada. Quizás la cercanía en el tiempo de su obra anterior convirtió, para
quienes la vieron en la cita veneciana, en reiteración lo que no es más que una
depuración del estilo poético en el que siempre se ha movido Malick, su marca
de autor en un panorama cinematográfico que apunta a lo épico para desdeñar la
lírica.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>To the wonder</b> es fiel a los
planteamientos de Malick al milímetro. Si en <b>El árbol de la vida</b>
construía una epopeya mística sobre la familia y el tiempo, aquí parte de un
tema mucho más concreto, aunque no menos universal: el amor. La lenta
degradación de una relación de pareja que nace en el idílico marco del Mont
Saint Michel, el hermosísimo enclave de la Normandía francesa, es la excusa que
utiliza el realizador americano para depurar su estilo. Para, con el contrapunto
de una voz en off susurrante y polifónica, componer una sinfonía que cortos
planos en movimiento -siempre en travelling de avance, siempre de escasa
duración- que son más ilustrativos que explicativos, más poéticos y sugerentes
que descriptivos. Un torrente cinematográfico de inusual belleza que atrapa al
espectador más sensible y que deja frío a aquel que va al cine a esperar que le
cuenten una historia de forma pasiva.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ese es uno de los problemas de Malick y
en <b>To the wonder</b> se manifiesta en toda su crudeza. Su cine obliga a
interpretar al espectador a través de la seducción que ejercen sus imágenes, su
ritmo pausado y sus pistas. Un cine plagado de reflexiones filosóficas y
teológicas que aquí son más explícitas gracias al personaje del atormentado sacerdote
interpretado por Javier Bardem, innecesario para una historia que se sustenta
por sí sola sin necesidad de apuntes morales tan evidentes. El sacerdote que
encarna el actor español actúa como espectador involuntario de un triángulo
amoroso -imperfecto, lleno de aristas imposibles- entre Ben Affleck, Olga Kurylenko
y Rachel McAdams, un trío protagonista poco sólido, perdido en la avalancha de
palabras y símbolos que arrastra el filme.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Uno tiene la sensación, al ver <b>To
the wonder</b>, que Malick aprovechó el derroche creativo de <b>El árbol de la
vida</b> para salir del paso con un filme demasiado parecido a aquel. Una
vuelta de tuerca más sobre el sentido de la vida, tamizado por las flechas
caprichosas del amor y el deseo. Como si las ideas descartadas para realizar
aquel monumento cinematográfico, las hubiera recogido para hacer esta nueva
película, que conserva la pureza visual y la belleza de los elementos
cinematográficos de la anterior, pero se agota en sus planteamientos a poco que
el jugo de la historia se exprime totalmente. No obstante, Malick siempre es
Malick, con sus virtudes y sus defectos, y <b>To the wonder</b>, aunque
contenga más de lo segundo que de lo primero, es una película infinitamente
superior en calidad a la gran mayoría de productos que se estrenan en las salas
comerciales.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1595656/" target="_blank">To the wonder</a> (Terrence Malick, 2012) </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><br /></span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-11912634231848825182013-04-05T14:39:00.003+02:002013-04-05T16:13:03.590+02:00Sangre fácil<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">En 1981, un
joven Sam Raimi debutó en el largometraje con un filme de serie B rodado con
una cámara de 16 mm y un presupuesto de risa: poco más de 300.000 dólares. La
película se llamó <b>The Evil Dead</b>, aunque en España se distribuyó como <b>Posesión
infernal</b>, y se convirtió muy pronto en un filme de culto, gracias a la
extraordinaria imaginación que derrochaba, las escenas gore que la salpicaban y
un esplendoroso sentido del humor. Tal fue el éxito de <b>Posesión infernal</b>,
que dio lugar a dos secuelas: <b>Terroríficamente muertos</b> y <b>El ejército
de las tinieblas</b>, ambas dirigidas también por Raimi.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8blwfeXkJu0ypqhc2SD8_cnWyIomT65P37PmBa8TU9X3PJXoCVVklRdc0rf7vUiBk79IzXH-MDyesEuzBvGh7LIbwX2gOwOezKrAU7ZJdmnG2ogAX1FwUMv542SxsBFTOVk3pcWy1NIc/s1600/posesion-infernal-evil-dead.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8blwfeXkJu0ypqhc2SD8_cnWyIomT65P37PmBa8TU9X3PJXoCVVklRdc0rf7vUiBk79IzXH-MDyesEuzBvGh7LIbwX2gOwOezKrAU7ZJdmnG2ogAX1FwUMv542SxsBFTOVk3pcWy1NIc/s400/posesion-infernal-evil-dead.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>32 años después de aquel hito, Raimi
trabaja para la Disney (<b>Oz, un mundo de fantasía</b>) y es venerado por las
nuevas generaciones de espectadores como director de la trilogía de <b>Spiderman</b>.
Pero no reniega de su pasado. En compañía de Bruce Campbell, eterno
protagonista de sus filmes de terror gore, ha producido un remake de la
película que lo lanzó a la fama: aquella <b>Posesión infernal</b> que hizo
renacer el terror sanguinolento para regocijo de los amantes de la salsa de
tomate y las sierras eléctricas de broma. Para cerrar el círculo, Raimi y
Campbell confiaron el proyecto a un director debutante: el uruguayo Fede
Álvarez, cuyos cortos de terror habían seducido a los creadores de la saga.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La nueva <b>Posesión infernal</b> es un
remake hecho con muchos más medios que parte de la base argumental de la
original -cinco jóvenes se instalan en una cabaña en el bosque y descubren un
libro de conjuros que despierta el espíritu del diablo- y conserva la frescura
que caracterizó a los tres filmes de la saga que dirigió Raimi. Contiene una
alta dosis de sentido del humor, homenajea a otras cintas del género, entre
ellas a la española <b>Rec3: Genesis</b>, y garantiza hora y media de
entretenimiento sin excesivas pretensiones, si uno se ríe en vez de abominar de
la sangre de mentiras que inunda la historia. Mas, en su factura, se echa de
menos la desbordante imaginación que derrochaba la original: la utilización del
punto de vista imposible como recurso narrativo o los efectos sonoros como instrumentos
para provocar sensaciones contradictorias en el espectador. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se agradece, no obstante, que este
remake de <b>Posesión infernal</b> mantenga el espíritu gamberro que enarboló
como bandera de un género la cinta original, que respete los códigos del cine
de bajo presupuesto, pese a contar con más de 15 millones de dólares para su
filmación, y que sus escenas más extremas sigan despertando los aplausos y las
risas, a partes iguales, entre el público especializado, ese que, cuanta más
sangre le salpique desde la pantalla, más se descojona.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/FKFDkpHCQz4?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1288558/" target="_blank">Posesión infernal</a> (Fede Álvarez, 2013) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-48443922230863458172013-03-28T23:26:00.000+01:002013-03-29T00:30:04.130+01:00El crepúsculo de los héroes<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">El género
de acción, que vivió su época dorada entre mediados de la década de los ochenta
y comienzos de los noventa, evolucionó posteriormente hacia una "humanización"
de sus héroes, antaño inmutables y exentos del más mínimo sentido del humor,
que acabaría por relegarlos a la más pura serie B, cuando los justicieros de
carne y hueso fueron devorados por los superhéroes provenientes del cómic. Han
pasado dos décadas y aquellos que impartieron justicia a base de balaceras y
puñetazos se han hecho mayores, sin que, salvo honrosas excepciones como el
británico Jason Stahtam, se vislumbren actores que recojan el relevo de los
Schwarzenegger, Stallone o Willis para revitalizar el género sin necesidad de
enfundarse un traje con poderes sobrenaturales.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmh7jihCJGmFdEqka-wOjXItgy2sQc9dvr8D6EuAd40jU4rXdflHrS4l1-sZUTehgaHh2A9APQmsiiYHu04HB_d3Muicdv5Y3ik0QAKrDpPRLFPVPL3BJAwtBdNy-aIreV5hkTxjIA_SY/s1600/una-bala-en-la-cabeza-imagen-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmh7jihCJGmFdEqka-wOjXItgy2sQc9dvr8D6EuAd40jU4rXdflHrS4l1-sZUTehgaHh2A9APQmsiiYHu04HB_d3Muicdv5Y3ik0QAKrDpPRLFPVPL3BJAwtBdNy-aIreV5hkTxjIA_SY/s400/una-bala-en-la-cabeza-imagen-1.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b>Una bala en la cabeza</b>, regreso a
la dirección del veterano Walter Hill diez años después de su último trabajo,
abunda en la idea de mostrar a un viejo héroe de acción con sus defectos y sus
virtudes. A medio camino entre el cine de acción, en su sentido más estricto, y
las películas de compañeros eventuales en lucha por un objetivo común, que tan
buenos resultados dio a Hill en filmes como <b>Límite 48 horas</b> y <b>Danko:
Calor Rojo</b>, la película nos presenta a un Sylvester Stallone que parece
casi una caricatura del personaje que ha repetido hasta la saciedad a lo largo
de los últimos 30 años: un tipo duro pero con cierto aspecto de cartón-piedra
que, por la habitual preocupación de Walter Hill por el pasado tortuoso de sus
personajes, utiliza la ironía con la misma precisión que las armas de fuego.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Basándose en la novela gráfica homónima
de Alexis Nolent, Walter Hill maneja con habilidad los códigos del cine de
acción, con un trepidante ritmo que enmienda la debilidad de un guión muy
esquemático y la escasa química entre la pareja de protagonistas. Pero las
gotas de socarronería que destilan los diálogos, los breves apuntes de denuncia
social que trascienden en la trama y la destreza de Hill a la hora de ordenar
unos elementos que podrían haber llevado a la película a una absurda ensalada
de tiros y mamporros convierten a <b>Una bala en la cabeza</b> en un entretenido
y nada pretencioso ejercicio de estilo con el que pasar el rato. Algo que, tal
y como están los tiempos para el cine de acción, siempre es de agradecer.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/Yu8QUZTUR4w?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1308729/" target="_blank">Una bala en la cabeza</a> (Walter Hill, 2013) </span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-37816575371835661182013-03-28T23:16:00.004+01:002013-03-29T00:31:42.502+01:00La invasión de los ultras-cuerpos<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: center;">
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;">Tras el
éxito entre el público juvenil y adolescente de la saga <b>Crepúsculo</b>,
llega a nuestras pantallas la adaptación al cine de una nueva novela de la
escritora norteamericana Stephenie Meyer que, en esta ocasión, sustituye los
vampiros por alienígenas en el trasfondo de una almibarada historia de amor. <b>The
host</b> (no confundir con la magnífica película coreana del mismo nombre
dirigida por Bong Joon-Ho) parte de un planteamiento que recuerda a <b>The
Village of de Damned</b>, la cinta de culto de Wolf Rilla, y a algunos clásicos
del cine de serie B de ciencia-ficción, como <b>La invasión de los ultracuerpos</b>.
Pero esa impresión inicial se desvanece pronto cuando la trama futurista es
arrollada literalmente por una historia de amores imposibles entre las dos
vertientes de la protagonista femenina (la humana y la alienígena) y los dos
jóvenes guaperas que lideran la resistencia. Un amor tan gelatinoso y cargante
que no pasa de tórridos besos y una sensación que parece resucitar las
braguetas apretadas de la adolescencia más reprimida.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjig8gBT76ygxJEoAOHldS4wvzdC4WFlQxawlk8WYezkEzm5VXlf8xsonaWh_08y_9neUmhtaE0ly1qc2Om5r3yB4PYYl95NDl7zDE36VVVIwZcDbsYCOTRdoalimnusZzWURhCPOOcZaQ/s1600/The+Host+banner.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjig8gBT76ygxJEoAOHldS4wvzdC4WFlQxawlk8WYezkEzm5VXlf8xsonaWh_08y_9neUmhtaE0ly1qc2Om5r3yB4PYYl95NDl7zDE36VVVIwZcDbsYCOTRdoalimnusZzWURhCPOOcZaQ/s400/The+Host+banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Y es que lo peor de <b>The host</b> no
es esa pretendida estética glamurosa que intenta recrear paisajes inhóspitos y
bellos como si de una revisión cutre del western se tratara, ni la pobreza de
recursos para poner en escena un futuro imperfecto, pese a los casi 50 millones
de dólares de presupuesto que manejó Andrew Niccol. Lo más preocupante, por el
hecho de que es un filme dirigido a un público potencial menor de 20 años, es
el insoportable tufo reaccionario que despide un filme en el que el amor carnal
se manifiesta por medio de castos besos, las voces en off remiten al
sentimiento de culpa y la conciencia cristiana y la sociedad extraterrestre se
parece sospechosamente al modelo soviético ya caduco. Una perversión ideológica
que recuerda al más rancio cine del franquismo en España o las cintas afines a
la paranoica caza de brujas en los Estados Unidos.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial; font-size: 13.0pt;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Por eso da cierta vergüenza ajena ver a
buenos actores, como William Hurt, Diane Kruger o Frances Fisher, oficiando de
secundarios de relleno y a Andrew Niccol, responsable de títulos tan
interesantes como <b>Gattaca</b> o <b>Simone</b>, dirigiendo con más recursos
pirotécnicos que estilo un filme que no sólo no pasará a la historia, sino que,
en unos años, caerá en el olvido incluso de los adolescentes de todo el mundo
que ahora lo veneran.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<br />
<br />
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1517260/" target="_blank">The Host </a>(Andrew Niccol, 2013)</span> <br />
The <br />
<br />
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-91798812697242266102012-01-24T20:32:00.003+01:002012-01-24T20:35:42.707+01:00La vida que nos espera<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">En ocasiones, el cine tiene un componente sentimental que nos hace difícil valorar las películas. Si te acaba de dejar tu pareja y ves un filme sobre desengaños amorosos, aparte de llorar como un poseso lo que no has llorado durante el duelo, sentirás una identificación con los personajes mucho mayor que la que tienen aquellos que no pasan por una situación personal como la tuya. A mí me ocurrió algo así cuando vi <i>Pequeñas mentiras sin importancia</i> (Guillaume Canet, 2010), un filme que extrajo de dentro de mí toda la sensibilidad que escondía en una época complicada de mi vida, pero que, visto ahora, es una excelente película no exenta de trucos, no siempre en los límites del juego limpio que exige una narración, para emocionar al espectador.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiriy2YKBTWlgqlnEeEU2hih9YjIWcUYsvwlBGMSwCAR8dm3wlRHIT5r4IDDeRcsTZ2N0x8l41y_K_gVZyYTn588YqdcyGuW6WTSBg5ntLpJ01NOuVoWMcOev_WN1EGyime5yl7FEa3A6o/s1600/arrugas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiriy2YKBTWlgqlnEeEU2hih9YjIWcUYsvwlBGMSwCAR8dm3wlRHIT5r4IDDeRcsTZ2N0x8l41y_K_gVZyYTn588YqdcyGuW6WTSBg5ntLpJ01NOuVoWMcOev_WN1EGyime5yl7FEa3A6o/s400/arrugas.jpg" width="400" /></a></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><br />
</div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> <i>Arrugas</i> (Ignacio Ferreras, 2011) contiene todos los elementos que me hacen muy difícil valorarla. Está basada en el cómic de un amigo, Paco Roca, que además ha participado en el guión, en la dirección artística y en el proceso creativo del filme; trata un tema que me toca muy de cerca, pues mi madre padece la enfermedad de Alzheimer y muchas de las cosas que retrata la película las he vivido yo como espectador involuntario en la vida; y habla sobre la vejez, ese lugar al que todos nos aproximamos sin remisión y en el que todos acabaremos nuestros días. </span></span> </div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Soy muy fan del cómic de Paco Roca, que leí poco después de su publicación, mucho antes de que a la novela gráfica le dieran el premio nacional del cómic, de que su creador se convirtiera en una estrella de la historieta y de que alguien se planteara llevarla al cine. Me gusta mucho esa mirada sobre la pérdida de la memoria y, en consecuencia, de la identidad que hay en sus páginas, esos trazos tristes y esperanzadores a la vez que hay en cada una de sus viñetas. Y creo que me gusta <i>Arrugas</i>, la película, porque es muy fiel a esa visión de la vejez que tiene Paco. Las adaptaciones de cómics son complicadas por naturaleza, pero en esta ocasión el trabajo ha sido tan respetuoso con el original que merece un aplauso.</span></span></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Poco importa que <i>Arrugas</i> sea una película con escaso valor como filme de animación. Tan escaso que, en el fondo, me recordaba a un anime japonés, por su austera utilización de los elementos del dibujo. Su discurso es tan radical, tan potente y tan terriblemente realista que consigue, con pocos trazos, impresionar a quien la ve. Al fin y al cabo, trata de lo que seremos todos de aquí unos años, de ese proceso irreversible en el que paulatinamente iremos perdiendo la memoria, los recuerdos, nuestra alma. Ver a un ser querido que sufre ese deterioro nos conmueve y nos preocupa, pero cuando pensamos en que la vida que nos espera será esa se nos hiela la sangre. Eso es lo que consigue <i>Arrugas</i>, la película, como lo conseguía <i>Arrugas</i>, la novela gráfica, tanto una como otra obras fundamentales para entender que, como decía Gil de Biedma, “envejecer, morir, es el único argumento de la obra”.</span></span></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><br />
</div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="http://www.imdb.es/title/tt1407052/" target="_blank"><br />
</a></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/jsoTN3Mjo5Y?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br />
</span></span><br />
<span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="http://www.imdb.es/title/tt1407052/" target="_blank">Arrugas</a> (Ignacio Ferreras, 2011) </span></span></div></div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-2223582941527782722012-01-03T01:54:00.000+01:002012-01-03T01:54:05.523+01:00Sherlock o John<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"> <div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Decía David Trueba, durante una conversación que mantuvimos sobre porno, que cuando alguien le hablaba de Welles, no pensaba en Orson, pensaba en Tori. El novelista y director de cine hacía así un chiste privado para explicar la fascinación que le procuraba ver a la estrella del porno Tori Wells en acción. Tanta que borraba de su mente sus impulsos cinéfilos.</span></span></div><div> </div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">A mí me pasa algo parecido, pero en versión mitad cinematográfica, mitad literaria, cuando alguien me habla de Holmes: no pienso en Sherlock, pienso en John. En John Curtis Holmes, aquel legendario actor porno americano que lucía un pene de 35 centímetros de largo y, por esa peculiaridad física, tuvo una vida singular: fue cocainómano, traficante de drogas, confidente de la policía y acusado de un asesinato múltiple. Y murió de SIDA tras una vida tan convulsa como contradictoria.</span></span></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Pienso en John porque Sherlock siempre ha sido para mí un personaje aburrido. Un tipo perspicaz, observador e intuitivo, pero un soso. Alguien capaz de adivinar con quién has pasado la noche anterior sólo por el placer de demostrarte lo listo que es. Un personaje como esos críticos de cine que compiten a repetir diálogos de películas porque así piensan que serán adulados y crecerá su criterio. El mejor retrato de Sherlock Holmes que he visto en el cine lo hizo Billy Wilder hace más de 40 años, cuando pintó a Sherlock como un ser falsamente seguro, adicto a la cocaína en dosis inyectables y poco interesado por las mujeres. Wilder, con su inimitable sentido del humor, mete al detective de Baker Street en una trama de submarinos espías en pleno lago Ness, con agentes secretos por medio y con chistes sobre Tchaikovski. <i>La vida privada de Sherlock Holmes </i>(Billy Wilder, 1970) tiene todo eso, aparte de la sobriedad de un relato menos trillado de lo que se puede esperar sobre un personaje como Holmes y unos diálogos que no desmerecen a los de <i>En bandeja de plata</i> (Billy Wilder, 1966) o <i>Con faldas y a lo loco (Billy Wilder, 1959)</i>. Pero no es, ni de lejos, el mejor filme de Wilder. Claro que estar situada cronológicamente entre <i>En bandeja de plata</i> y <i>Avanti</i> (Billy Wilder, 1972) tampoco ayuda.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Ej5CcggTkxY/TwJQEvxAswI/AAAAAAAAAWg/NnWjrl0ameY/s1600/privatesherlockf3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="223" src="http://1.bp.blogspot.com/-Ej5CcggTkxY/TwJQEvxAswI/AAAAAAAAAWg/NnWjrl0ameY/s400/privatesherlockf3.jpg" width="400" /></a></div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> El problema de <i>La vida privada de Sherlock Holmes</i> es su personaje protagonista. Los americanos, que son muy listos, lo sabían y por eso han convertido a Sherlock Holmes en un héroe de acción. No tendrá el físico de Rambo ni la fortaleza de John McClane, pero es listo y, sobre todo, ágil. Sufre explosiones, pelea a espadazo limpio en un puente y salta al Támesis cuando lo van a matar desde una ventana. Sólo le falta tener un pene como el del otro Holmes para ser el hombre perfecto.</span></span></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">No iré a ver <i>Sherlock Holmes 2: Juego de sombras</i> (Guy Ritchie, 2011) porque ya tuve bastante con <i>Sherlock Holmes</i> (Guy Ritchie, 2009). A mí, con la película de Billy Wilder me basta para comprender al personaje.</span></span></div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/EMkjQzqNjgY?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><br />
</div><div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="http://www.imdb.es/title/tt0066249/" target="_blank">La vida privada de Sherlock Holmes</a> (Billy Wilder, 1970) </span></span></div></div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-71811761170888964912011-12-26T23:21:00.005+01:002012-01-03T01:56:51.236+01:00El fin del silencio<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"><br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;">Cuentan los periódicos de la época que los espectadores que acudieron a la primera proyección de cine de la historia, en el Grand Café del Boulevard des Capucines de París, el 28 de diciembre de 1895, se asustaron tanto cuando vieron un tren que les podía atropellar como nos sigue dando mal rollo ver la cara de Jack Nicholson en El resplandor detrás de la puerta de madera que acaba de destrozar con un hacha. Nadie queda vivo de los que acudieron al cine aquel día entre navidad y año nuevo en París, hace casi 116 años, pero sí que quedan testimonios, aunque difusos, de lo que representaba para el público de principios del siglo XX acudir a una sala de cine. El cine era entonces un espectáculo visual, en el que la música, interpretada en directo, tenía un papel más que marginal, en el que el sonido, apagado por un silencio sólo roto por las interpretaciones musicales, hacía gestualizar a los actores hasta convertirlos en mimos virtuales.</span></span></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Pensad en que los cinéfilos de la época estuvieron 30 años viendo películas mudas, mucho más de lo que dura cualquier pareja en la actualidad, y os daréis cuenta de lo supuso la llegada del sonoro al cine. La voz de los actores, los efectos especiales de sonido o la música eran ingredientes impensables en el espectador del primer cuarto del siglo XX. Cuando apareció todo eso, los códigos cambiaron. Ya no hacía tanta gracia Buster Keaton, ni molaban los duelos de Tom Mix, ni Ramón Novarro era tan agradable con esa vocecita.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-w22jVNdh-Uk/Tvjy93UJe9I/AAAAAAAAAWU/RJAArD-wQn4/s1600/the-artist.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="265" src="http://1.bp.blogspot.com/-w22jVNdh-Uk/Tvjy93UJe9I/AAAAAAAAAWU/RJAArD-wQn4/s400/the-artist.jpg" width="400" /></a></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><br />
</div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> De ese momento crucial, el paso del mudo al sonoro habla The artist (Michel Hazanavicius, 2011), con la particularidad de que es una película anacrónica, rodada en blanco y negro en la época del 3D y muda en los tiempos en los que, en las salas de cine, ponen el sonido tan fuerte que hasta los sordos podrían entender lo que se dice sólo por las vibraciones que emiten las butacas. Pero The artist no es una película hecha así de forma gratuita: reproduce, con fidelidad entomológica, los esquemas del cine mudo de mediados de los años veinte, esos melodramas exagerados en gestos cuyas escenas culminantes estaban subrayadas con sinfonías de Mahler o esos filmes de aventuras románticas por los que nos guía el metalenguaje de la historia que se cuenta.</span></span></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Hacer una película muda y en blanco y negro hoy en día es un reto. O quizás no tanto. El público, en el fondo, agradece las historias maniqueas de éxitos y fracasos paralelos, las tramas de amor forjadas en la casualidad y los finales felices, aunque rompan el encanto del silencio. Y porque el público sigue apreciando eso, The artist, que contiene todos los ingredientes del pastel ñoño al que sólo le falta Meg Ryan vestida para bailar charleston, gusta y encandila. Gusta porque es cine en esencia, nos traslada a un mundo que creíamos más lejano de lo que está y juega con los códigos narrativos de aquel cine para hacerlos propios y mostrarlos hoy, cuando esos códigos parecían muertos.</span></span></div><div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"> Después de ver The artist, un buen amigo reflexionaba en twitter sobre el paralelismo entre la situación de los que trabajaban en el cine en aquella época y la que padecemos los periodistas en estos tiempos convulsos. Parte de ello también hay en The artist y, aunque este sea un tema impensable para un blog como el que estáis leyendo, los periodistas tendremos que empezar a aprender a bailar si queremos seguir trabajando en lo que nos gusta.</span></span><br />
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</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/O8K9AZcSQJE?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><a href="http://www.youtube.com/watch?v=OK7pfLlsUQM"><br />
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<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Arial,sans-serif;"><span style="font-size: small;"><a href="http://www.imdb.com/title/tt1655442/">The artist (Michel Hazanavicius, 2011) </a></span></span></div></div>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3533527112332142644.post-52659758590535785862011-12-25T23:51:00.000+01:002011-12-26T00:03:20.918+01:00El sombrero de John Wayne<div style="text-align: justify;"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" >El cine crea personajes que permanecen en la memoria muy poco tiempo, tipos que sobreviven, a lo sumo, diez años en el pensamiento colectivo. Los héroes tiene fecha de caducidad si sólo están cimentados en su forma de actuar. Pero el gran cine crea personajes eternos, porque son identificables. La gabardina de Sam Spade, el sombrero y el látigo de Indiana Jones o la cresta mohicana de Travis Bickle están tan unidos a los personajes como lo estuvieron los actores que los interpretaban.</span></span><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" >La cazadora del anónimo personaje que interpreta Ryan Goslin en Drive (Nicolas Winding Fern, 2011) ha entrado a formar parte de ese atrezzo que identifica al personaje con una leyenda del cine. Una prenda más ochentera que una can</span></span><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" >ción de Spandau Ballet, de un color indefinido -entre crema y plateado- y con un enorme alacrán rojo en la espalda. En fin, una cazadora que, si te la pones la primera vez que has quedado con una tía, te pueden ocurrir dos cosas: o que te mande a la mierda a los diez minutos o que sea la mujer de tu vida. Sin términos medios.</span></span></div><p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA7qU6mjaEuCWpfU0LJv6g-X-7XLEZn-C88127Knu-JJVRugqy_zg7GvQGibgrvx2NxegjlZ2G8_dsYbF5Y2uwwUdQjsM9Zqd5WX1lHzR9WMDtvdLZxD9IDut-FpU26kxyYrXsPEJVaM8/s1600/Drive-de-Nicolas-Winding-Refn.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 266px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjA7qU6mjaEuCWpfU0LJv6g-X-7XLEZn-C88127Knu-JJVRugqy_zg7GvQGibgrvx2NxegjlZ2G8_dsYbF5Y2uwwUdQjsM9Zqd5WX1lHzR9WMDtvdLZxD9IDut-FpU26kxyYrXsPEJVaM8/s400/Drive-de-Nicolas-Winding-Refn.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5690204935442700850" border="0" /></a></p> <p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" > La cazadora del conductor de Drive es el sombrero de John Wayne en Centauros del desierto. Un símbolo de que el personaje que la porta es de fiar, se mueve por instintos benefactores y, por muy turbio que sea su pasado, se ha cambiado al lado de los buenos. Porque Drive es, en el fondo, un western moderno, una reinterpretación singular y vanguardista de los mecanismos narrativos del cine del oeste. El protagonista de Drive es un tipo que ayuda a una familia compuesta por una mujer joven y su hijo, a salir del entuerto en el que la ha metido el padre, un ex presidiario con cuentas pendientes. Un tipo que se enfrenta a los bajos fondos con una arma más que peculiar: su pericia automovilística. Un héroe solitario que lucha por la justicia como concepto universal, por el amor eterno a una mujer que sabe que nunca será suya.</span></span></p> <p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" > Drive es violenta, sórdida y luminosa a la vez, una película llena de emociones encontradas, de navajas y miradas, de deseos y venganzas. Plagada de personajes intensos, más ricos en matices que un vino en la boca de un catador, de poesía de todos los tiempos, la que emana de la belleza y la que surge de la fealdad.</span></span></p> <p style="margin-bottom: 0cm;" align="JUSTIFY"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" > Id a ver Drive pensando que vais a ver un remake de Centauros del desierto y os daréis cuenta de que la cazadora del conductor está hecha del mismo material que el sombrero de John Wayne.</span></span></p><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><iframe src="http://www.dailymotion.com/embed/video/xkaztx" frameborder="0" height="245" width="560"></iframe><br /><a href="http://www.dailymotion.com/video/xkaztx_2011-drive-nicolas-winding-refn_shortfilms" target="_blank">2011 - Drive - Nicolas Winding Refn</a> <i>por <a href="http://www.dailymotion.com/Altanisetta" target="_blank">Altanisetta</a></i></span><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><i></i></span><p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"><a href="http://www.imdb.es/title/tt0780504/"><span style="font-family:Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 13pt;font-size:100%;" >Drive (Nicolas Winding Fern, 2011)</span></span></a></p> <p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"> </p> <p style="margin-bottom: 0cm" align="JUSTIFY"><br /></p>Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13126178654083215914noreply@blogger.com2